Al culmine della sua fama, l'artista olandese dell'età dell'oro Maria van Oosterwijck annoverò Luigi XIV di Francia, l'imperatore del Sacro Romano Impero Leopoldo I e Guglielmo III d'Inghilterra tra i suoi mecenati, i quali apprezzarono i suoi dipinti di fiori e vanitas riccamente resi. Rachel Ruysch ha attinto alla sua profonda conoscenza botanica per rappresentare composizioni altrettanto sontuose, vendendo le sue opere ad Amsterdam a prezzi che superavano quelli di Rembrandt. Nel frattempo Judith Leyster, come membro della Gilda di San Luca, poté avviare il proprio fiorente laboratorio ad Haarlem.
Perché, allora, queste donne sono ancora molto meno conosciute rispetto ai loro colleghi maschi?
Questa omissione è al centro di un’ambiziosa mostra al Museo delle Belle Arti di Ghent (MSK), organizzata con il Museo Nazionale delle Donne nelle Arti (NMWA) di Washington DC. Indimenticabile: artiste da Anversa ad Amsterdam, 1600-1750 esamina i contributi di oltre 40 donne attive in Belgio e nei Paesi Bassi durante un periodo di straordinaria prosperità e produzione artistica.
Le donne, sostiene la mostra, non erano solo modelli e soggetti, ma partecipanti a ogni livello dell’economia artistica. Assunsero commissioni, formarono alunni e rifornirono un mercato fiorente, contribuendo a plasmare la cultura visiva dell'età dell'oro olandese e fiamminga. Eppure i loro successi sono stati a lungo eclissati da un canone maschile di antichi maestri – una gerarchia ancora rafforzata oggi da mostre di successo come la mostra da record di Vermeer del Rijksmuseum nel 2023.
Quella narrazione sta cominciando a cambiare. Mentre le storiche dell’arte femministe Linda Nochlin e Ann Sutherland Harris gettavano nuova luce sulle donne del Rinascimento già negli anni ’70, ci sono voluti decenni prima che le istituzioni si mettessero al passo.. La recente rinascita di Ruysch, oggetto di un'importante retrospettiva al Museum of Fine Arts di Boston lo scorso anno, e di Michaelina Wautier, i cui dipinti storici, nature morte e ritratti saranno esposti alla Royal Academy di Londra alla fine di questo mese, segnala uno sforzo crescente per reinserire questi artisti nella storia. Il loro lavoro appare in Indimenticabile accanto a artisti del calibro di Leyster, Van Oosterwijck, Louise Hollandine e Clara Peeters.
“Senti che le persone vogliono davvero ascoltare e vedere il lavoro di queste donne”, afferma la curatrice di MSK Frederica Van Dam. Lungi dal lavorare nell’oscurità, aggiunge, molti di loro sono stati celebrati nel corso della loro vita. Van Oosterwijck, osserva, attirava una lista particolarmente lunga di mecenati di alto profilo. “Fu una delle pittrici di nature morte più importanti del suo tempo, ma nonostante la sua fama contemporanea e l'inclusione nelle biografie dei primi artisti, gli storici dell'arte successivi – scrivendo principalmente da una prospettiva maschile – non riuscirono a prestarle l'attenzione che meritava.”
Van Oosterwijck è stata solo una delle tante donne che dopo la sua morte sono passate dalla fama alla nota a piè di pagina. Scrivendo nel 1751, il biografo olandese Johan van Gool elogiò la ritrattista Margaretha Wulfraet per la “purezza del pennello” che “delizia gli intenditori e guadagna la loro piena approvazione”. La sua “Cortigiana con un copricapo di piume e un cagnolino” (1700-50 circa), inclusa nella mostra, mette in mostra la sua abilità sfumato tecnica e abile resa di una figura seminuda, tanto più sorprendente in quanto le donne erano in gran parte scoraggiate dallo studio del corpo nudo. Alla sua morte, il suo inventario della proprietà elencava più di 50 dipinti, ma si sa che solo un piccolo numero di opere di Wulfraet sopravvive oggi.
A Johanna Koerten, tagliatrice di carta, è andata ancora peggio. È stata oggetto di un panegirico di nove pagine nei tre volumi di Arnold Houbraken Il grande teatro dei pittori e delle pittrici olandesi (1718-21), in cui si dichiarava che “le sue nobili forbici vincono lo scalpello e il pennello” – eppure esistono ancora poche sue opere. Tali sparizioni, sostiene Van Dam, sono una conseguenza delle gerarchie di genere successivamente imposte dagli storici dell’arte. “Cose come il taglio della carta o la calligrafia non hanno ricevuto molta attenzione dopo il 19esimo secolo”, dice. “Per questo motivo, donne come Koerten sono completamente scomparse dalla nostra memoria collettiva”.
Per Van Dam e la sua co-curatrice, Virginia Treanor del NMWA, non era quindi sufficiente concentrarsi solo sulla pittura e sulla scultura. Il loro progetto di ricerca triennale ha riunito 150 oggetti che spaziano anche dal taglio della carta, alla stampa e alla lavorazione del pizzo. “Nel XVII secolo non esisteva una tale divisione tra belle arti e arti decorative”, spiega Van Dam. “Nel 19esimo secolo, gli storici dell'arte adottarono questo tipo di divisione più artificiale. Ma così facendo, eliminarono molte discipline in cui le donne eccellevano.”
Il pizzo, uno dei beni di lusso più ricercati dei Paesi Bassi, era prodotto quasi esclusivamente da donne. Eppure, mentre il loro lavoro è ovunque nella ritrattistica olandese e fiamminga nelle squisite gorgiere indossate dai ricchi modelli, Van Dam sottolinea che oggi non si sa quasi nulla della vita degli stessi creatori. “Penso che sia giunto il momento di riportare questa forma d'arte nel dibattito, perché all'epoca era una parte così importante dell'economia culturale nei Paesi Bassi.”
Un altro fattore nell'assenza storico-artistica delle donne è stata la diffusa attribuzione errata del loro lavoro a pittori uomini. Poiché le donne avevano maggiori probabilità di ricevere una formazione artistica all'interno dei laboratori familiari, i loro dipinti venivano spesso assorbiti nelle opere di padri, fratelli o mariti. “Lo possiamo vedere, ad esempio, nel lavoro di Maria Schalcken”, dice Van Dam. “La sua firma è stata deliberatamente rimossa e sovradipinta con quella di suo padre, probabilmente per aumentare il valore di mercato dell'opera.”
Un destino simile è toccato a Judith Leyster, il cui straordinario autoritratto (1630 circa) – in prestito dalla National Gallery of Art di Washington – mostra l'artista poco più che ventenne seduta al suo cavalletto, che si gira con sicurezza verso lo spettatore con un sorriso. Attiva tra il 1629 e il 1635, Leyster portò la sua visione espressiva in scene allegre di persone che bevevano, ridevano e suonavano musica. Ha firmato le sue opere con un monogramma distintivo: le sue iniziali intrecciate e una stella – un gioco di parole con il suo nome, che significa “stella polare” in olandese.
“Per molto tempo la firma di Leyster è rimasta nell'oscurità”, spiega Van Dam. “Usava un monogramma e col tempo non fu più riconosciuto o collegato a lei. I suoi dipinti furono invece attribuiti a suo marito, Jan Miense Molenaer, o a Frans Hals – e guadagnarono fama per il suo lavoro. Fu solo nel 1893, quando Cornelis Hofstede de Groot identificò il monogramma, che il collegamento fu stabilito. Anche allora, ci volle fino agli anni '70 perché Frima Fox Hofrichter fornisse a Leyster la ricerca che meritava.”
Grazie a questi sforzi, la stella di Leyster è ancora una volta in ascesa. Due delle sue opere saranno esposte in una sala dedicata ai ritratti e agli autoritratti sotto il tema dell'“identità”, una parte fondamentale della mostra per Van Dam. “Non puoi avvicinarti di più a queste donne che guardandole negli occhi e vedendo come volevano rappresentarsi”, dice. Il curatore spera che queste immagini rimangano con i visitatori molto tempo dopo la loro partenza. “Che le persone non dimenticheranno mai ciò che hanno visto di queste donne, che continueranno a essere toccate dalle opere d’arte, ma anche dalle loro storie personali”.